Teatro Solis

La extinta poética es una experiencia que aglutina artistas escénicos de distintas procedencias, disciplinas y tendencias. Las actrices Carmen Barrantes y Laura Gómez-Lacueva (Nueve de Nueve), Rafael Ponce, actor, autor y alma mater de la compañía Estev, y Ponce, de fructífero recorrido tuvieron en los orígenes de la escena alternativa española; e Ingrid Magrinyà, bailarina de recorrido internacional.  de otra parte  Eusebio Calonge y Paco de La Zaranda, con larga trayectoria sobre los escenarios del mundo.

Elenco

Carmen Barrantes

Comienza sus estudios en Zaragoza donde compagina la Escuela Municipal de Teatro y la Universidad obteniendo la diplomatura de Maestra en Educación Musical y en Arte Dramático. Continúa su formación teatral en Madrid y canto con Inés Rivadeneira y obtiene el primer y segundo grado en Voice Craft. Se traslada a Buenos Aires donde recibe clases intensivas con maestros como Norman Taylor, Paola Rizza o Ciro Zorzolli.

Con Cabaré de caricia y puntapié, de la compañía El Gato Negro y basada en canciones de Boris Vian, ganan el Premio Max 2010 como Mejor Espectáculo Musical. Crean la Cía. 9de9 Teatro y su montaje Al dente, dirigida por Alberto Castrillo-Ferrer, con la que hacen temporada 2013 en el Teatro Fernán Gómez y gira nacional.

Trabajos destacados: Una pareja cualquiera de M.A. Buttini, Como gustéis de W.Shakespeare (C.D.N), Lo que vio el mayordomo de Joe Orton (Yllana), El apagón con la dirección de Yllana y Las Sicalípticas: Cuplés entre otros. En audiovisual destacar el trabajo en Abstenerse Agencias, Goya 2014 a mejor cortometraje. The Beginning de Benito Zambrano y Bendita Calamidad de Gaizka Urresti. Musicalmente se forma en el Conservatorio Profesional de Música de Huesca, en la especialidad de Violonchelo.

Laura Gómez-Lacueva

Comienza su formación como actriz en 1994 en la EMTZ durante tres años. Complementa sus estudios con Commedia dell'Arte de la mano de Carlo Boso y Luigi Otoni. Danza con Myriam Agar, y Canto con Raquel Agudo y Alizia Romero. Recibe clases de Interpretación con Pepe Ortega y Fernando Piernas y Técnica Le Coq con Mar Navarro. En París profundiza en el lenguaje del Clown y el Bufón con Philippe Gaulier.

Ha realizado también cursos de Dramaturgia con Antonio Onetti y Paloma Pedrero, y ha participado en talleres de Cinematografía con Bigas Luna, Carmelo Gómez e Imanol Uribe. En 1998, forma su propia compañía: Muac Teatro, siendo autora e intérprete de espectáculos de creación propia y de gran calidad artística durante ocho años. Y en 2011, forma una nueva compañía: 9 de9 Teatro.

Además de sus propias creaciones, ha actuado en más de veinte montajes teatrales con El Gato negro, Teatro del Temple, Los McClown, Teatro de la Ribera, Tranvía Teatro, Ciudad interior, Luna de Arena y Teatro del Alba.
En su faceta audiovisual, desde 2006 trabaja con Lobomedia/Zapzapmedia en sus distintas producciones con gran éxito para Aragón Televisión: Tres eran tres, Vaya Comunidad y 10 temporadas en Oregón tv y ha participado en largometrajes y cortometrajes, a destacar De tu ventana a la mía y La Novia de Paula Ortiz, Justi&cia de Ignacio Estaregui y Bendita Calamidad de Gaizka Urresti.

Ingrid Magrinyà

Nace en Ibiza. Estudia danza clásica en Zaragoza con María de Ávila. Titulada en Danza Clásica y Técnicas de Coreografía Contemporáneas (Conservatorio de Palma de Mallorca y Conservatorio Superior de Valencia). Con la profesora y coreógrafa Myriam Agar se inicia en la danza contemporánea. Desde entonces ha trabajado en proyectos vinculados tanto con el mundo de la danza, como con el del arte o el teatro.

Ha trabajado para la compañía alemana Die Audio Gruppe; para el artista y coreógrafo Jan Fabre (becada por la Nouvelle École des Maîtres); para las compañías teatrales Producciones Che y Moche (Metrópolis, ganadora del Max 2010 al Espectáculo Revelación) y Teatro del Temple; y para las compañías de danza de Elia Lozano (Sybaa), La Mov de Víctor Jiménez, para Gelabert-Azzopardi Companyia de Dansa (La muntanya al teu voltant y Sense Fi/ Conquassabit), Cie Porte Sud (Le dejeuner de la Petite Ogresse) y Nats Nus (Transforma-T).

Ha creado solos coreográficos para distintos festivales de ámbito nacional como Fruta Domada, Resiliencia e In absentia. Con Milki Lee (componente de "Circle of Trust") se ha unido como Dos en Paralaje, creando su primera pieza Manos Pegajosas. También trabaja como asistente de coreografía para el coreógrafo Can Arslan, actual director artístico del Nordharder Ballet, creando piezas para Theater Augsburg Ballet, Theater Magdeburg Ballet, Delattre Dance Company entre otros.

Rafael Ponce

Actor y escritor, en 1990 forma la compañía Esteve y Ponce con la intención de crear un núcleo de trabajo teatral para indagar y profundizar en un lenguaje propio y diferenciado partiendo de textos de su propia autoría. Un lenguaje basado en el absurdo, la ironía, el sentido del humor, la presencia y el trabajo físico del actor, escenografías sencillas pero conceptualmente atractivas y en una dramaturgia donde el ritmo de la narración fuese ágil y, a veces, trepidante. Con estos elementos, un tanto de intuición y elevadas dosis de optimismo han ido creando diferentes espectáculos que no han dejado indiferentes a sus espectadores.
Obras escritas e interpretadas:

La terapia 2ª de, La conquista despacio, La verdad está en inglés. (Espectáculo Revelación de la temporada de Barcelona. Temporada 92-93), Los pájaros fontaneros (Premio de la Crítica de Barcelona), Los hermanos Pirracas en Nemequitepá (Premio de la Crítica de Valencia), Mala Leche (Premio Max Aub de Valencia al mejor texto teatral), Los Cabezaglobo son felices en su parque eólico, A veces maburro, RIP RIP HURRA, Pequeñas Obras Maestras, Llo lo beo hasí, Alo Panenka. Todas ellas han sido representadas tanto en España como internacionalmente en: Festival de Otoño de Madrid, Festival Sitges, Muestra Internacional de Granada, Muestra Internacional de Valladolid, Festival Manizales (Colombia), Festival internacional de Bogotá (Colombia), Festival de Londrina (Brasil), Festival Rio de Janeiro (Brasil), Festival de Sao Paulo (Brasil), Festival de Córdoba (Argentina), Festival de Montevideo (Uruguay), Festival internacional de Caracas (Venezuela), Muestra de teatro de Valencia en México DF, Festival Don Quijote de París, Festival Sant'Arcargelo (Italia), Festival de Copparo- Roma (Italia), Festival Internacional de München (Alemania)

El Dramaturgo

Eusebio Calonge

Forma parte La Zaranda desde 1985. Su único curriculum es el de "por sus obras los conoceréis" Estrenando y editando: Perdonen la tristeza, Obra Póstuma (Ediciones SGAE) Cuando la vida eterna se acabe, La Puerta Estrecha, Ni sombra de lo que fuimos, Homenaje a los Malditos, Los que ríen los últimos, Futuros Difuntos, (todas editadas en Editorial Hiru) Este Sol de la infancia (Ediciones Primer Acto) Nadie lo quiere Creer (Ediciones Irvine. California) El Régimen del pienso y El Grito en el cielo (Ediciones Artez-Blai). Traducido al francés, inglés, portugués, italiano... Ha publicado en revistas de teatro y literatura nacionales e internacionales. Así como una sección semanal "El Censo de los olvidados" en el periódico La Voz del Sur. Ha impartido Conferencias y cursos en ENT Pamplona, Universidad Carlos III de Madrid, Universidad Mirail Tolouse, Universidad Estatal de California, Creador.es Valencia, Surge Madrid, etc... Ha sido premio Nacional de Teatro con La Zaranda 2010, y Premio al mejor autor del Teatro Rojas de Toledo y de los primeros Premios de Andalucía de teatro.

Sus textos han sido montados por compañías de New York, Dallas, Toulouse, Madrid.

El Director

Paco de La Zaranda

Fundador del Teatro La Zaranda en 1978. Actor y director de obras que han recorrido los más importantes escenarios y festivales del mundo, y que han recibido premios de la crítica en Nueva York, Buenos Aires, Montevideo, La Habana, El Cairo, Madrid, Barcelona... Ha impartido cursos y conferencias en Bienal de Venecia, Institut del Teatre de Barcelona, Instituto Cervantes de Nueva York, Buenos Aires, Caracas, etc...Entre otros muchos, ha recibido con la compañía Premios García Lorca, Ollantay de América Latina, o el Premio Nacional de Teatro en 2010.

Esta obra cuenta con la subvención de Gobierno de Aragón.

Carmen Barrantes sobre La extinta poética:

"Es la velocidad de la sociedad narcotizada"

La hermana mayor embarazada y aturdida por los ruidos de sus padres y su hermana discapacitada, espera ansiosa a una persona que está a punto de llegar.

Ese personaje es interpretado por Carmen Barrantes en La Extinta Poética, que se presenta en la Sala Principal del Teatro Solís, el sábado 18 de mayo a las 20 horas y domingo 19 de mayo a las 18:30 horas. La temática de la obra, el trabajo junto a Paco de la Zaranda, la recepción del público latinoamericano y la significancia que tiene presentarse en el Teatro Solís.

¿Cómo tomó la compañía venir al Teatro Solís?

Es la primera vez que vamos a Uruguay. Ya estuvimos en Buenos Aires con otra obra, pero realmente cuando recibimos la llamada para ir al Teatro Solís para nosotros fue emocionante, porque es un templo teatral comparable con el Teatro Español de la Plaza Santa Ana. Es un sitio que tiene renombre, con una historia increíble y formar parte con tu pequeño granito de arena es emocionante. Cuando recibimos la llamada dijimos "parece que estamos haciendo las cosas bien". Nos hizo muchísima ilusión.

En la obra se presenta una crítica al ritmo y narcotización de la sociedad. Hay muchos de los temas que antes eran asignados a las grandes ciudades que tenían ese ritmo. Vos que sos de la región de Aragón, ¿encontrás esa dinámica también en ciudades como Zaragoza?

Es la velocidad de la sociedad que realmente está narcotizada con una televisión anestésica, con pastillas que solucionan el tema que te provocan las otras pastillas. O sea, como algo muy circular y cíclico que envuelve a la sociedad, y sobre todo lo veo como algo muy encajonado. En una casa muy pequeña y con muy pocos recursos. También puede ser un reflejo de las ciudades grandes que tienen un alto costo de vida con muchas situaciones precarias y a esto se le añade la situación de que esta familia tiene una chica con una discapacidad muy grave. Entonces, todo esto hace que sea una vorágine. Los pueblos donde hemos estado se sienten identificados con muchas cosas. La verdad que la obra es dura en muchos pasajes sobre todo en la cuestión del encerramiento, de algo muy intoxicado: como una casa donde no se abre la ventana. Como esas casas que huelen mal pero ya nadie se entera que huelen mal hasta que alguien llega, abre y te lo dice. Es algo muy asfixiante.

El reparto de los personajes es una familia. ¿Ustedes lo observan como que sigue siendo la representación de una sociedad la familia? ¿Una muestra de la sociedad en su conjunto?

Totalmente. O sea, es una de las capas que se representa en la obra. Es un padre, una madre y dos hijas, pero realmente es el modelo de todo. No es el modelo de una familia en concreto. La extinta poética realmente es la chica con discapacidad que tiene un desenlace como un aleluya al final y es muy bello, ¿pero realmente es?¿qué lugar ocupa ese personaje? ¿Qué lugar ocupa la poesía en esa familia? ¿Qué lugar tan poco útil? Si lo pensamos no es útil. No es económico. No va dentro de una vorágine capitalista. Entonces, queda todo enlazado.

La estética juega un Papel central a la hora de reflejar lo que comentas. ¿La escenografía y el vestuario son bastante austeros para acompañar el mensaje?

Es como un gimnasio, pero parece más una sala de torturas medievales que algo en el que vas a embellecer. Realmente esa cuestión fría y de encierro que tiene el banco. También hay una grúa que se denomina "para personas que tienen problemas de movilidad". Cuando lo tienen que pasar de una cama a una silla con ayuda. Cuando ves esa grúa, que es un aparataje tremendo de hierro y frío, y sabés para lo que se usa, se enfría el cuerpo. Quien interpreta a la extinta poética es bailarina. Entonces, acaba haciendo un baile de una belleza suprema con esa grúa. El hecho de que a alguien se le ocurra que el aparato que sirve para algo así puede ser el soporte de una danza, ya lo hace algo muy peculiar. Muy único. Y todo es así: una bicicleta estática. Esas son las lecturas que tiene la obra. Él nunca llega a pedalear en esa bicicleta. Está todo relacionado. Con el gimnasio o con la rueda del hamster. Con dar vueltas de algo sin saber el para qué.

Con esa escenografía armada, ¿qué rol juega la palabra en relación con la poesía?

La palabra tal cual como lo trabajamos con un texto que es punzante. El texto es demoledor. La primera vez que lo leí, me emocionó. Yo creo que la palabra como la utilizan Eusebio Calogne, que es un maestro, es fascinante. Utiliza palabras de las calle, cotidianas, sin ningún tipo de adorno o de artificio. Es la crudeza. Es sacar la esencia de las cosas y realmente actúa como un puñal. O sea, hay algo que se clava. Hay una repetición, muy cíclica. Hay mucho decir y repetir las mismas frases, y llega un momento que eso penetra y durante todo el espectáculo hace que cale hasta que llega el desenlace que para mí es como un aleluya.

En cuanto a tu personaje, ¿Qué desafíos has encontrado como hermana mayor?

Es alguien también con pocos recursos. Una chica medio empastillada que espera casarse con alguien que nunca va a llegar. Para mí, como actriz, fue curioso. La obra estuvo casi dos años en proceso de ensayo. Se paraba, se volvía y mi personaje es una chica que está embarazada. Al final yo me quedé embarazada. Fue como que mi vida iba en paralelo con el personaje. Salía de la función y después me vieron con mi traje de novia embarazada. Era bastante impresionante verme así. Realmente estoy feliz con el trabajo. Ellos son únicos en el lenguaje que tienen. Meterse en su lenguaje y en su universo es algo que fue empezar de cero. Empezar después de tener una trayectoria muchas veces es difícil. Algunas veces es quitarte todo lo que llevás para quedarte en blanco y como si dijéramos es necesario matar a la actriz o al actor que eres para que salga una cosa más interesante. Ese creo que ha sido el reto. Yo sabía que ellos no nos iban a dejar estrenar sin estar listos. Entonces, los personajes llegaron y ahí sigue después de tres años.

Estos tres años han realizado otras giras. ¿Cómo lo han vivido en la compañía y cuáles fueron las respuestas de los públicos?

Pues fue fantástico. La verdad que estrenamos gracias al apoyo de la municipalidad de Zaragoza. En nuestra tierra. Luego estuvimos en el Teatro Español, que fue para nosotros un hito. La obra fue fantástica. Tuvimos unas críticas sorprendentes y probamos unas semanas más. Estuvimos en el Festival de Manizales en Colombia. Nos dimos cuenta que la verdad entendimos porqué el lenguaje de Zaranda llega a los latinoamericanos. Cuando estudié en Buenos Aires no conocía a Zaranda, pero cuando me presentaba y decía que era española, me preguntaban por él. Yo me moría de vergüenza por no conocerlo y la gente lo veneraba en América Latina. Realmente cuando fuimos a Colombia y presentamos el trabajo, nos dimos cuenta que conectaba mucho más con un público latinoamericano que español. Existe una profundidad y humanidad que se respira más en América Latina que aquí. Eso es una realidad.

¿Cómo invitarías a los montevideanos para que vengan el 18 y 19 de mayo al Solís?

Creo que ir a otro país siempre es un esfuerzo para las compañías. Compartimos una lengua, no compartimos otros aspectos culturales, pero realmente pienso que esto nos une, porque creo que es universal. No es única pero es universal. Es la primera vez que Zaranda no trabaja con su elenco estable. Es una oportunidad para que el público conozca el grado de profundidad y sensibilidad que tienen. Ojalá que les guste, podamos compartir butaca y respirar el mismo aire.

Teatro Solis. Derechos reservados